ArteYUNQUE

Expo NATURA

ArteYUNQUE presenta la exposición, Paisaje, que consta de diez obras creadas por los artistas puertorriqueños Gisela Colón, Maru Aponte, Sebastián Dávila, Sofía del Mar Collins, Omar Velázquez, Ulrik López, Mélissa Raymond y René Sandín, Miguel Luciano, Radamés Juni Figueroa, María Lucía “Lulu” Varona y Héctor Madera.

Estas obras se encuentran en la Vereda de Ciencia y Conservación, ubicada en el Centro de Visitantes El Portal en El Yunque en Río Grande.

¿Qué es PAISAJE?

PAISAJE aborda El Yunque como objeto y sujeto de la historia. Sus significados emergen en la intersección de los procesos ecológicos, la memoria cultural y las formas de habitar el territorio. Las obras exploran temas como la presencia de especies endémicas y naturalizadas, los efectos de la urbanización y el desarrollo, y las imágenes de exuberancia y paraíso con las que se ha representado el trópico, cuestionando las tensiones entre extractivismo, conservación y pertenencia.

Las obras se integran al ecosistema del bosque, donde la luz, la lluvia y la humedad modifican continuamente sus superficies y su apariencia. Esta transformación las convierte en piezas cambiantes, y invita a los visitantes a regresar a la exposición y a reconocer el tiempo como una fuerza que moldea la experiencia del arte.

A través de esta exposición, los visitantes pueden apreciar el trabajo de destacados artistas locales mientras reflexionan sobre cómo percibimos, habitamos y participamos en la transformación del territorio. Recorrer PAISAJE es acercarse al bosque a través de sus relaciones materiales, culturales y políticas, y reconocer las fuerzas humanas y no humanas que le dan forma.

Gisela Colón

Monolito parabólico Aurus Pulvum (2017-2025)
Fibra de carbono aeroespacial diseñada, pigmentos minerales naturales, roca basáltica nativa, cuarzo y partículas de silicato de oro.

El monolito parabólico Aurus Pulvum surge de la relación de toda una vida de Gisela Colón con el paisaje puertorriqueño, transformando historias personales y colectivas de violencia en símbolos de sanación, resiliencia y renovación espiritual. Inspirada en montañas, megalitos antiguos, obeliscos y cemíes taínos, la forma monolítica une el conocimiento ancestral, los procesos ecológicos y la escultura contemporánea.
Enraizada en el poder regenerador de la naturaleza, la obra invita al espectador a experimentar El Yunque como un lugar donde la materia, la luz y la memoria dialogan constantemente. Su cambiante espectro cromático se inspira en la viva inteligencia cromática de El Yunque: desde el brillo verde plateado de las hojas de yagrumo al viento, hasta el dorado luminoso del follaje que brota, las vibrantes transformaciones de las bromelias y las plantas tropicales del sotobosque, y los ritmos iridiscentes que animan continuamente la bóveda de la selva. A medida que la luz cambia a lo largo del día, la escultura se transforma continuamente, reflejando los procesos vitales del propio paisaje. El Monolito Parabólico Aurus Pulvum revela el paisaje no solo como un escenario, sino como un archivo vivo de memoria ecológica, personal, ancestral y colectiva.

Migdalia Luz
Barens-Vera

Piel de EL Yunque (2026)
(Serie Melancholic Landscapes, 2011)
Pigmentos, arena de río, cal húmeda, madera de calidad marina, cerámica y esmalte de cristal

La obra «Piel de El Yunque» es una serie de frescos realizados con pigmentos minerales sobre madera tratada, que incorporan capas revestidas con azulejos cerámicos de piscina. Instalados a lo largo del sendero, los módulos se adaptan a la geometría sinuosa del camino, invitando a los visitantes a moverse entre ellos y observar cómo las superficies pintadas cambian con las variaciones de perspectiva, la luz y las condiciones atmosféricas del bosque.
En estos frescos, Maru Aponte concibe el paisaje como una piscina natural infinita, donde el agua, la humedad, el cielo y la vegetación parecen disolver sus límites. La obra tiene su origen en acuarelas y estudios realizados al aire libre en El Yunque, posteriormente transformados en abstracciones inspiradas en cuerpos de agua, estanques y cascadas. La referencia a la piscina infinita también cuestiona la transformación del paisaje en un espectáculo turístico y una imagen para el consumo digital, proponiendo en cambio una experiencia encarnada y en constante cambio que no puede ser contenida en una sola imagen.
La técnica del fresco profundiza esta relación con el entorno, trayendo una práctica ancestral a un espacio milenario. Compuesto de agua, cal, agregados y pigmentos minerales, el fresco permanece sensible a la lluvia, el viento, la humedad, la luz y el crecimiento orgánico. Para el artista, estas transformaciones forman parte de la vida de la obra, no son signos de deterioro. Históricamente asociado con la arquitectura, el fresco encuentra aquí una nueva superficie: el bosque mismo se convierte en su arquitectura, y la pintura se transforma en una piel viva que respira al ritmo del ecosistema.

Sebastián Dávila

Andamio (2026)
Bambú, cerámica y cuerda

Andamio (que significa “andamio” en español) es una instalación escultórica hecha con bambú recolectado en El Yunque y otras partes de Puerto Rico. Flexible, ligero y resistente, este material omnipresente lleva consigo historias de desplazamiento, adaptación e intervención humana que han contribuido a dar forma al paisaje de la isla.
Durante las décadas de 1930 y 1940, el bambú común ( Bambusa vulgaris ), originario de Asia, se introdujo en los bosques de la sierra de Luquillo para estabilizar el terreno a lo largo de las carreteras. Con el tiempo, se extendió por las riberas de ríos y arroyos, alterando la vegetación y la hojarasca que llegaba a estos cursos de agua.
Partiendo de esta historia, Dávila explora las interdependencias ecológicas y sociales que acompañan la circulación de especies, materiales, personas y conocimientos. El ensamblaje de postes de bambú vincula la estructura de soporte de la escultura con las relaciones que sustentan y transforman un territorio. La obra invita a reflexionar sobre la migración, el arraigo y las formas de pertenencia, considerando cómo el desplazamiento genera encuentros, tensiones y nuevas maneras de habitar un lugar. En Andamio , el paisaje emerge como una red de relaciones en la que los procesos naturales y las intervenciones humanas se entrelazan continuamente.

Sofía del Mar Collins

Aquello que nace, crece, estalla y se erosiona dentro de nosotros (2026)
Instalación textil: muselina y seda teñidas con pigmentos botánicos, tierra y tinta

Sofía del Mar Collins presenta una instalación de textiles translúcidos que se extienden por el bosque en diálogo con el paisaje. Teñidos con pigmentos botánicos y barro procedente de los ríos Mameyes y Río Grande de Loíza, los textiles registran variaciones de luz, humedad y color, incorporando el entorno natural a su apariencia.
Las capas de pigmento evocan los ecosistemas forestales de la sierra de Luquillo —Tabonuco, Palo Colorado, Palma de Sierra y Bosque de Nubes— y las transiciones entre ellos. En lugar de representarlos como territorios claramente delimitados, Collins los interpreta como paisajes interconectados cuyas características se fusionan y se transforman.
Expuestos a la lluvia, la humedad y la luz del bosque, los pigmentos pueden desvanecerse y adquirir nuevos matices con el tiempo. El artista incorpora estos cambios a su obra, estableciendo una relación entre la transformación de los materiales y los procesos naturales que remodelan continuamente el paisaje.

Omar Velázquez

Opías (2026)
Resina, acrílico, hormigón, mosaico de espejo y piedra

Opías es una instalación compuesta por figuras escultóricas de concreto inspiradas en aves nocturnas. Una, situada sobre un pedestal de piedra, está cubierta con un mosaico de espejos; la otra abraza el tronco de un árbol. Integradas en la vegetación, las figuras aparecen como presencias inesperadas: guardianas o habitantes espectrales del bosque. Los espejos reflejan el verdor de El Yunque, incorporando el paisaje a la obra.
La obra se inspira en la mitología taína y en las opías o hupias, espíritus que el artista describe como entidades errantes capaces de adoptar diferentes formas y aparecer en la noche. Velázquez conecta estas narrativas ancestrales con el imaginario sobrenatural asociado a El Yunque, donde la naturaleza, el misterio y la memoria colectiva se entrelazan. La noción de portal invita a interpretar el bosque como un umbral entre el mundo terrenal y otras dimensiones, y como un espacio de conexión con la memoria y el tiempo.
Las figuras evocan al búho puertorriqueño ( Gymnasio nudipes) y a la lechuza común (Tyto alba ), aves que adquieren un significado tanto ecológico como espiritual en la obra. El artista vincula su papel en el ecosistema con las narrativas indígenas caribeñas, presentándolas como mediadoras entre la memoria ancestral y el paisaje contemporáneo.

Melissa Raymond & René Sandín

Enredadera (2026)
Pintura acrílica, tallos de bambú, cables telefónicos y piedras de río

Enredadera (cuyo título en español alude a una planta trepadora o enredadera, y también evoca entrelazamiento o enredo) es una instalación compuesta por tallos de bambú, cables telefónicos y piedras de río tratadas con acrílico. Suspendidos, apoyados y dispuestos por todo el espacio, estos elementos evocan tanto un altar como una red de comunicación que une el bosque con quienes lo transitan.
La obra se basa en el principio ecológico de interdependencia: la idea de que cada organismo y elemento dentro de un ecosistema existe en relación con los demás. El bosque se convierte así en una red de comunicación visible e invisible que conecta cuerpos, microorganismos, ancestros, comunidades y fuerzas naturales. Los cables telefónicos, suspendidos como lianas, refuerzan esta metáfora del intercambio y el flujo continuo de información y energía.
El color se convierte en un medio para cartografiar el territorio. Los artistas extraen sus paletas de lo que se conoce como “pintura municipal”: las franjas de color que los municipios de Puerto Rico utilizan para identificar y transformar la infraestructura y los espacios públicos. En Enredadera , los colores asociados a siete municipios cuyos territorios incluyen partes de El Yunque —Río Grande, Canóvanas, Las Piedras, Fajardo, Ceiba, Naguabo y Juncos— se entrecruzan, vinculando el paisaje natural con las formas en que las comunidades lo codifican, lo habitan y lo imaginan.
La práctica interdisciplinaria de Mélissa Raymond y René Sandín explora la abstracción, el paisaje y el espacio público a través del color. Su obra aúna los lenguajes de la pintura, la escultura, el urbanismo y la danza, incorporando elementos naturales y materiales de construcción para crear piezas que responden al movimiento, la transformación y la experiencia corporal. Ambos artistas residen en Canadá.

Ulrik López Medel

Antófila (2026)
Tierra, cemento, malla metálica y panel

Antófila es una escultura hecha con arcilla de Puerto Rico, utilizando técnicas de adobe. Sus volúmenes curvos se extienden desde una estrecha sección central, presentando diferentes perfiles según el ángulo de visión. Su superficie rugosa y rojiza contrasta con el verdor de El Yunque, mientras que su título en español, que significa "amante de las flores", sugiere una profunda afinidad con el paisaje. Su forma se inspira en especies de polillas, flores silvestres y la forma de embudo del propio paisaje.
Utilizado tradicionalmente para construir muros, refugios y viviendas, el adobe vincula la arquitectura con los materiales del lugar. En esta obra, López traslada esa tradición constructiva al lenguaje de la escultura. La arcilla establece una continuidad material con el terreno de Puerto Rico, lo que permite al artista explorar las relaciones entre el cuerpo, la arquitectura y el paisaje, así como las maneras en que habitamos, percibimos y representamos nuestro entorno.
Concebida para transformarse continuamente a lo largo de la exposición, la obra incorpora los efectos del sol, el rocío nocturno y la lluvia en su proceso escultórico. Estos elementos alterarán gradualmente su superficie y apariencia. Esta transformación es fundamental en el enfoque del artista: el bosque participa en la configuración de la escultura, que cambia al compás del paisaje del que forma parte.
La práctica artística de López explora el intercambio y la circulación de objetos, basándose en la arqueología, la antropología y la cultura material de las Américas. Con un enfoque que evoca la investigación arqueológica y forense, considera los objetos, materiales e imágenes como fósiles que conservan huellas de sus usos y transformaciones, examinando sus significados y vínculos con la memoria cultural.

La exhibición PAISAJEes posible gracias al patrocinio de:

US Forest Service El Yunque National Forest, Fundación Segarra Boerman, Nachman & Guillemard PSC, Familia Peter, Kathryn y Kai Kehle, Banco Popular de Puerto Rico, Carlos Cabrero (Tres Palmas), Casillas, Santiago & Torres Law, Rachel Templeton, Familia Elías-Sierra, Familia Vázquez-Guillemard Diego, Sebastián y Gastón, GIB Development, PR3 Investment, Hiram Pérez Arrillaga, Jerry Szilagy, Beatríz Martí Soler, HACEDORMAKER_Arquitectos y The ArtWalk Puerto Rico.

La programación de PAISAJEes posible gracias a la invaluable subvención de Mellon Foundation.

Este proyecto es gestado y curado por Georgina Vega Porrata-Doria, theartwalkpr.

Crédito de Fotografía: Adriana Vázquez Acevedo

Expo NATURA. 2026.
ArteYUNQUE.